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Michelangelo dipinge la Cappella Sistina - Storia

Michelangelo dipinge la Cappella Sistina - Storia


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Michelangelo dipinge la Cappella Sistina
Michelangelo ha trascorso quattro anni a dipingere il soffitto della Cappella Sistina. Ha lavorato senza assistenza.


Il soffitto della Cappella Sistina

La Cappella Sistina aveva un grande significato simbolico per il papato come il principale spazio consacrato del Vaticano, utilizzato per grandi cerimonie come l'elezione e l'inaugurazione di nuovi papi. Conteneva già dipinti murali illustri e a Michelangelo fu chiesto di aggiungere opere per il soffitto relativamente poco importante. I Dodici Apostoli è stato progettato come tema: i soffitti normalmente mostravano solo singole figure, non scene drammatiche. Tracce di questo progetto si trovano nelle 12 grandi figure che Michelangelo realizzò: sette profeti e cinque sibille, o profeti femminili presenti nei miti classici. L'inclusione di figure femminili era molto insolita anche se non del tutto inedita. Michelangelo collocò queste figure attorno ai bordi del soffitto e riempì la spina centrale della lunga superficie curva con nove scene della Genesi: tre delle quali raffiguranti la Creazione del mondo, tre le storie di Adamo ed Eva e tre le storie di Noè . A queste seguono naturalmente, al di sotto dei profeti e delle sibille, piccole figure delle 40 generazioni degli antenati di Cristo, a cominciare da Abramo. Il vasto progetto fu completato in meno di quattro anni ci fu un'interruzione forse di un anno nel 1510-1511 quando non fu effettuato alcun pagamento.

Michelangelo iniziò dipingendo le scene di Noè sopra la porta d'ingresso e si spostò verso l'altare nella direzione opposta a quella della sequenza delle storie. Le prime figure e scene mostrano naturalmente l'artista che riutilizza i dispositivi delle sue opere precedenti, come il Pietà, poiché stava iniziando un lavoro così ambizioso in un mezzo sconosciuto. Queste prime cifre sono relativamente stabili e le scene sono su scala relativamente piccola. Man mano che procedeva, è cresciuto rapidamente in fiducia. Infatti, le indagini sui procedimenti tecnici utilizzati mostrano che lavorava sempre più rapidamente, riducendo e infine eliminando tali aiuti preparatori come disegni completi e incisioni sulla superficie dell'intonaco. La stessa crescente audacia appare nei movimenti liberi e complessi delle figure e nella loro complessa espressività. Pur rimanendo sempre imponenti e monumentali, sono sempre più intrise di suggestioni di stress e di dolore. Questo può essere percepito in una figura come il profeta Ezechiele a metà strada. Questa figura combina forza e peso colossali con movimento ed espressione facciale che suggeriscono la determinazione a raggiungere un obiettivo che è incerto di successo. Una tale immagine dell'inadeguatezza anche di un grande potere è una presentazione di umanità eroica e tragica ed è centrale per ciò che Michelangelo significa per i posteri. Accanto la scena della creazione di Eva la mostra con Dio e Adamo, compressi in uno spazio troppo piccolo per la loro grandezza. Questa tensione è stata interpretata come un segno di un allontanamento dalla preoccupazione rinascimentale per l'armonia, indicando la strada a una generazione più giovane di artisti, come Jacopo da Pontormo, spesso etichettato come manierista. Il lavoro di Michelangelo sul soffitto fu interrotto, forse subito dopo che queste figure furono completate. Quando ha dipinto il secondo tempo, sembrava ripetere la stessa evoluzione dalla tranquilla stabilità alla complessità e allo stress. Così, si è fatto strada dalla scena silenziosamente monumentale e armoniosa della creazione di Adamo alle pressioni acute e contorte del profeta Giona. Tuttavia, in questa seconda fase mostra una maggiore espressività interiore, dando un ritegno più meditativo alla precedente massa fisica pura. La complessa e insolita iconografia della volta della Sistina è stata spiegata da alcuni studiosi come un'interpretazione neoplatonica della Bibbia, rappresentando le fasi essenziali dello sviluppo spirituale dell'umanità vista attraverso un rapporto molto drammatico tra l'uomo e Dio. Guarda anche Barra laterale: Il restauro della Cappella Sistina.


La Storia della Cappella Sistina

Il grande progetto del cappella Sistina iniziò nel 1473. I resti fatiscenti dell'edificio precedente furono distrutti, mantenendo intatte le basi delle mura e rimase intatta la pianta asimmetrica dell'edificio.

La costruzione è stata rinforzata con un basamento e il soffitto coperto con nuove volte.
I veri e propri interventi di ricostruzione iniziarono nel 1477 e durarono circa 4 anni.

LA FUNZIONE DELLA CAPPELLA SISTINA NEL PASSATO
La Cappella Sistina veniva utilizzata per le cerimonie della corte papale alle quali partecipavano le personalità più importanti della città.

LA DECORAZIONE DELLA CAPPELLA SISTINA
Le prime decorazioni interne della Cappella Sistina risalgono al 1481.
Gli affreschi furono realizzati prima dal Perugino e poi da alcuni dei più ammirati artisti operanti a Firenze: Domenico Ghirlandaio, Sandro Botticelli e Cosimo Rosselli che ha collaborato con altri artisti già presenti a Roma tra cui Pinturicchio, Bartolomeo della Gatta e Piero di Cosimo.
Per decorare il Soffitto della Cappella Sistina Papa Giulio II chiamò Michelangelo Buonarroti che in soli 4 anni completò la decorazione dei soffitti e delle volte di questa cappella apostolica.

LA FUNZIONE DELLA CAPPELLA SISTINA OGGI
Dal 1878 la Cappella Sistina è sede del Conclave, l'assemblea che elegge il nuovo Papa.
Il Conclave si svolge solo in caso di morte o rinuncia del Papa per motivi personali. I cardinali si riuniscono nella Cappella Sistina per eleggere il nuovo Pontefice.

L'ultimo Conclave risale al 2013, a seguito delle dimissioni di Benedetto XVI, Cardinale Bergoglio E 'stato eletto, Papa Francesco I.


Immagini segrete

Nel 1990, alcuni medici hanno suggerito che la forma del sedile volante e la figura di Dio nella "Creazione di Adamo" costituiscono un'immagine anatomicamente corretta del cervello umano. Nel 2010, è stato affermato che il pannello "The Separation of Light From Darkness" contiene un tronco cerebrale umano. Altri teorici hanno suggerito che Michelangelo raffigurasse immagini di reni sul soffitto. Come scultore, Michelangelo era affascinato dalla forma umana. Ha studiato i cadaveri per avere un migliore senso dell'anatomia e avrebbe avuto familiarità con il cervello umano.

Dipingere la Cappella Sistina era un compito estenuante, e il rapporto di Michelangelo con la Chiesa cattolica divenne teso nel farlo. Forse per rappresentare la sua infelicità, ha nascosto due autoritratti dall'aspetto miserabile in "The Last Judgment". Ha dipinto il suo volto defunto sulla testa mozzata di Oloferne e il suo volto macabro sulla pelle scorticata di San Bartolomeo.


Chiunque abbia avuto l'opportunità di vedere da vicino il soffitto della cappella deve aver notato due cose. Uno, quel soffitto è alto, ed è certamente pieno di molti dipinti. È difficile immaginare che un artista sia stato in grado di fare tutto ciò in meno di cinque anni e, in un certo senso, questa conoscenza fa venire in mente l'immagine di Michelangelo mentre giaceva supino e lavorava duramente da un anno all'altro. Non c'è dubbio che sapesse che il suo soffitto sarebbe diventato uno dei più importanti della storia, ma anche in questo caso Michelangelo era un artista di grande talento.

In un primo momento, il pittore fu incaricato di dipingere una sorta di simbolo geometrico per sostituire il soffitto della Cappella, allora blu, punteggiato di stelle. Era il 1508 quando Michelangelo era sotto la commissione di papa Giulio II. L'artista ha invece scelto di decorare il soffitto con le scene dell'Antico Testamento che il mondo oggi conosce e apprezza.

Descrizione degli affreschi

Gli affreschi sono più di semplici decorazioni destinate a stupire l'occhio. Queste scene raccontano una storia: la storia dell'umanità fin dall'inizio. Raccontano la storia che esisteva prima che arrivassero tutte le altre storie: la storia della creazione. Divise in tre sezioni, le scene sono disposte in ordine cronologico con la prima parte della narrazione dipinta sopra l'altare. Qui si trovano tre dipinti: La creazione dei cieli e della terra, La creazione di Adamo ed Eva e infine La cacciata dal giardino dell'Eden. Michelangelo quindi segue senza sforzo un dipinto di Noè e il Diluvio Universale.

Racconta la stessa vecchia storia al mondo, ma il pittore cattura nei suoi affreschi più di quanto chiunque possa immaginare. Usando ignudi (giovane nudo) per rappresentare il suo messaggio, Michelangelo predica il messaggio della nascita di Cristo e trova il modo di metterlo in relazione con la creazione dell'uomo.

Le tecniche utilizzate

La maggior parte dei suoi dipinti ha dettagli narrativi in ​​quanto mostrano più figure tutte dipinte di piccole dimensioni. Questo fa risaltare un particolare affresco da tutti gli altri: la creazione di Adamo. In questo affresco, le figure sono monumentali mentre si allungano per incontrarsi nel vuoto. Il fatto che differisca dal resto potrebbe essere ciò che distingue il dipinto dal resto, ma nonostante il fatto che manchi di narrativa, il dettaglio in questa immagine è ancora eccezionale. Il dipinto di Michelangelo del Diluvio include molti più dettagli. Qui dipinge il cielo e le acque e usa lo spazio a sua disposizione per ritrarre quattro narrazioni.

Il dipinto mostra un gruppo di persone che cercano di evitare la pioggia riparandosi sotto un oggetto di fortuna. Sul lato sinistro ci sono più persone che stanno correndo su una montagna per cercare di allontanarsi dalle acque in aumento. Al centro dell'immagine c'è una barca che sembra essere sopraffatta dalla forza combinata della pioggia e del mare in tempesta. Sullo sfondo di questa immagine, tuttavia, c'è la salvezza mentre una piccola squadra lavora per completare la costruzione dell'Arca. Questa immagine mostra la tragedia, ma c'è un solo raggio di speranza per il futuro dell'uomo. Coloro che stanno per morire sono disperati e chiedono la compassione di un osservatore.

L'immagine fa ripensare alla giustizia di Dio mentre ricorreva alla cancellazione del mondo intero in modo che potesse ricominciare da capo. Ma nel salvare Noè e la sua famiglia, Michelangelo dipinge la salvezza di Dio nella sua vera forma. C'è un altro dettaglio che emerge quando si osserva da vicino il soffitto della Cappella Sistina. È come se ci fossero due sezioni diverse che sono state dipinte da due artisti diversi. Ciò è probabilmente dovuto al fatto che, durante il suo travaglio, Michelangelo si prese una pausa di un anno nel 1510. In immagini come Il Diluvio, possiamo vedere che le persone stanno morendo nell'alluvione, ma è difficile distinguere il loro stato emotivo. Dipingendo un gruppo di persone in uno spazio ristretto, Michelangelo ha sacrificato qualsiasi connessione che potesse essere stata forgiata tra un osservatore e quei personaggi nella sua pittura.

Il suo lavoro successivo utilizza figure più monumentali che hanno volti chiari e caratteristiche chiare, rendendo più facile per le persone connettersi con i dipinti. Prendendo la Creazione di Adamo, per esempio, troviamo che possiamo distinguere il volto di Adamo come pigro e rilassato con un leggero senso di brama. Possiamo anche distinguere il volto di Dio come serio, come se fosse al lavoro per realizzare la sua creazione. Lo si percepisce anche dal pavimento della cappella. C'è un piccolo dettaglio, ma in realtà la superiorità dell'opera di Michelangelo dopo la sua pausa risiede nella semplicità che è arrivato ad impiegare.

Nove scene dal libro della Genesi
Dodici Profeti e Sibille
Antenati di Cristo
Pendenti
Pennacchi
Ignudi
Medaglioni

La connessione osservabile nei suoi dipinti

I dipinti si concentrano sulla storia che è stata raccontata nel libro della Genesi, ma ci sono forme che sono state interpretate per ritrarre l'immagine del Cristo bambino. Nella Creazione di Adamo, questa figura di bambino è stata inclusa per significare che anche se l'uomo è creato ad immagine e somiglianza di Dio, c'è ancora spazio per il peccato e che Dio ha previsto questo peccato. Gli affreschi collegano l'Antico Testamento al Nuovo Testamento in un modo che non era mai stato fatto prima. Michelangelo ha trovato un modo per mettere questa connessione nell'arte. Trovò un modo completamente nuovo di presentare le scene della Bibbia, inclusa l'idea che Adamo fosse stato portato in vita attraverso il semplice tocco del dito di Dio.

In un ordine attento, il pittore narra silenziosamente la storia di Adamo dalla perfezione che era durante la creazione al peccatore che sono diventati i suoi figli dopo la caduta dell'umanità. Ci sono nove dipinti narrativi su questo soffitto, ma la prospettiva usata sui soggetti è su un punto che se si guarda abbastanza da vicino, si può quasi vedere la figura che si erge fuori dalla parete del soffitto. I personaggi usati sono antichi, sì, ma dopo aver visto queste immagini, gli osservatori escono nel mondo reale con una vivida immaginazione di ciò che era e di ciò che è.

Michelangelo ha rotto il divario tra l'innocenza passata, l'attuale peccaminosità e la futura redenzione dell'umanità, facendo sembrare tutto un'unica storia continua quando di fatto si è realizzata nei secoli. È possibile che la mente del pittore non abbia estrapolato fino a questo punto quando stava lavorando duramente al soffitto, ma l'idea sembra adattarsi così tanto che non si può fare a meno di immaginare cosa stesse pensando Michelangelo - immagina come il mondo avrebbe interpretato il suo ultimo capolavoro.

Qual era la motivazione di Michelangelo?

Non è chiaro cosa lo abbia ispirato a dipingere il soffitto, infatti, si potrebbe dire che Michelangelo fosse tutt'altro che ispirato quando iniziò a decorare la Cappella Sistina. Papa Giulio II lo ha praticamente costretto a farlo, quindi in un certo senso il Papa è stato la sua ispirazione. Il paese in quel periodo era stato devastato dalla guerra, e nel tentativo di unire nuovamente il popolo, il Papa ritenne opportuno far ridipingere il soffitto e le pareti della cappella. Il soffitto doveva ispirare la servitù divina, quindi, usando il potere concesso alla chiesa, il Papa incaricò Michelangelo di dipingere 12 affreschi che mostravano le immagini dei 12 apostoli di Cristo.

Questi apostoli dovevano essere dipinti in modo geometrico. Il pittore non si ispirò a questa commissione originale, quindi propose di dipingere invece le scene della storia della creazione dell'Antico Testamento. Sapeva che gli apostoli di Cristo avevano condotto una vita povera e, quindi, esitava a dipingerli nelle glorie del mondo. A questo pittore piacevano le sfide e per lui dipingere 12 figure su uno spazio così grande non rappresentava una grande sfida. Ha invece scelto di dipingere le circa 300 figure complesse che ora dominano il soffitto della cappella.

Si dice che diverse persone, tra cui il cugino del Papa Marco Vigerio Della Rovere, abbiano ispirato il progetto del soffitto della Cappella Sistina, ma questa è solo una teoria. Quando si entra nella cappella, le immagini dell'ascesa dell'umanità sono dipinte al contrario. Questo è stato interpretato nel senso che mentre ci si avvicina all'altare, ci si avvicina alla gloria di Dio, alla sua salvezza.

All'ingresso, si può vedere Noè nella sua ebbrezza, e all'altare, si può vedere Dio mentre separa la luce dalle tenebre. Mentre un osservatore scende verso l'altare, la storia si racconta al contrario, e proprio al centro del soffitto si può vedere Dio mentre dà vita al primo uomo, Adamo. Dipingere questi affreschi ha danneggiato permanentemente la spina dorsale di Michelangelo, e mentre potrebbe essere stato facile per lui dipingere le figure, deve essere stato difficile per lui dare a queste figure la voce che ancora oggi rappresentano.

L'ordine inverso in cui sono dipinti gli affreschi è, in un certo senso, simbolico. Andare verso l'altare è andare verso Dio e l'ascesa dell'umanità, ma andare via dall'altare e tornare nel mondo esterno rappresenta un cammino che porta al peccato e alla caduta dell'umanità.

Lo stile utilizzato

I colori intensi usati dal pittore sono estremamente utili per chiunque speri di decifrare il contenuto della Cappella Sistina da 60 piedi più in basso. I colori sono ora sgargianti e luminosi rispetto a come erano prima che il soffitto fosse restaurato. C'è uno sfondo bianco generale che fa risaltare i gialli, i rosa e i verdi che il pittore ha usato per dare vita ai suoi personaggi. L'uso di antichi profeti e antiche sibille è stato interpretato in modi diversi nel corso degli anni.

Le sibille predissero la nascita di un salvatore nei tempi antichi, ma per il cristiano moderno la nascita di Cristo fu predetta dagli antichi profeti nell'Antico Testamento. Michelangelo usava sibille e profeti per indicare la stessa salvezza che sarebbe stata concessa all'intera razza umana. Dipinge una Sibilla in particolare in modo interessante, la Sibilla libica. È fatta per apparire sotto forma di scultura, proprio come tutti i personaggi che questo artista ha ritratto. Il corpo di questa sibilla è un po' contorto mentre siede su un indumento guardando sopra la sua spalla in direzione dell'altare. La sua immagine sembra adattarsi perfettamente all'ambiente in cui è stata collocata.

Ci sono pannelli triangolari che sono posti a lato dei pannelli centrali della cappella. All'interno di questi pannelli triangolari ci sono figure che rappresentano gli antenati di Cristo. A separare questi pannelli ci sono le rappresentazioni di cinque sibille e dei sette profeti. I quattro angoli della cappella mostrano quattro scene ispirate all'Antico Testamento. Dopo aver finito di dipingere l'ubriachezza di Noè, Michelangelo guardò di nuovo le immagini, e dopo aver realizzato che non erano così imponenti come avrebbe voluto, decise di renderle più grandiose. Così, man mano che ci si avvicina all'altare, le immagini diventano sempre più grandi. Il suo lavoro è religioso su tutti i fronti. I dipinti, in particolare il profondo senso di commozione evidente in alcuni volti dei personaggi, sono una prova della pietà di Michelangelo.

Infine venne il Giudizio Universale che Michelangelo creò 20 anni dopo aver terminato tutti gli altri dipinti sul soffitto. Quest'ultima immagine si trova sulla parete dell'altare della Cappella Sistina, e confrontando il modo in cui è stata realizzata rispetto a come sono state fatte apparire tutte le altre immagini, si può iniziare a capire perché non le venga prestata molta attenzione dagli osservatori. Il talento impiegato in questo film è altrettanto eccezionale, ma il Giudizio Universale porta con sé un concetto di desolazione. Questo dipinto mostra la seconda venuta di Cristo e, sebbene l'ispirazione provenga dalla Bibbia, l'artista ha usato la sua vivida immaginazione per creare l'immagine radiosa piena di santi e angeli. Questo dipinto mostra la fine ultima della razza umana dopo secoli di peccato e disobbedienza.

La ragione per cui la maggior parte degli osservatori ha ritenuto che fosse una dimostrazione di disperazione è che Cristo sta sprofondando la maggioranza delle persone nei dannati fuochi dell'inferno, solo pochi stanno salendo in cielo. Alcune figure sono rannicchiate davanti al figlio di Dio mentre emette il suo giudizio finale. Le immagini sono alquanto inquietanti e molto realistiche in quanto il San Bartolomeo tende la sua pelle e il Sant'Andrea che regge la croce su cui è stato crocifisso.

Michelangelo stava all'arte come Shakespeare stava alla letteratura. Questi due personaggi della storia hanno rappresentato nuove idee. Il pittore ha cercato di proporre una nuova idea di ciò che doveva essere. Attraverso queste immagini, la visione religiosa del mondo che aveva diventa chiara al mondo. Michelangelo dipinge non per accecarci alla sua prospettiva, ma per darci uno sguardo nella sua mente, nel mondo che ha immaginato. Dipinse e lasciò il suo lavoro libero da interpretazioni, dando a qualsiasi osservatore la possibilità di abbeverarsi a questa meravigliosa creazione e trarre le proprie conclusioni.

Fin dall'ingresso della cappella, il pittore ci mostra una visione di come è stato per un uomo incontrare il tocco di Dio durante la creazione. Ce lo mostra in modo audace ed energico, usando immagini di antichi profeti e veggenti per includere il concetto di futuro. Guardare il soffitto della Cappella Sistina è guardare direttamente il divino non attraverso gli occhi di Michelangelo, ma attraverso quelli di ogni essere umano mai creato. Questi dipinti non sono limitati da ciò che è stato predicato, e vanno oltre le regole che sono state stabilite sulla religione ed esprimono pienamente un'idea di Dio che la maggior parte delle persone non potrebbe osare immaginare.

Più di 500 anni dopo e il mondo moderno è ancora in soggezione ogni volta che guardiamo alla creazione di Michelangelo. Dopo che la cappella è stata pulita, è stata esposta la vera complessità della tavolozza dell'artista e da allora la Cappella Sistina è diventata una scuola e un'ispirazione per tutti in tutto il mondo. A 33 anni, questo artista ha iniziato a malincuore questa commissione per dipingere la cappella privata del papa solo per farla diventare la cosa migliore che abbia mai creato. Per uno scultore che ha insistito sul fatto di non essere un pittore, il lavoro che ha fatto sul soffitto della Cappella Sistina si avvicina terribilmente alla perfezione.

Il periodo 1508-1512 ha rappresentato un momento chiave nella carriera di Michelangelo mentre iniziò a costruire una serie di affreschi sul soffitto della Cappella Sistina.

Questo compito monumentale doveva essere completato con una creatività e una tecnica così immense che l'artista stesso sarebbe diventato da quel momento un nome familiare.

Alcuni elementi specifici dell'intero pezzo sono considerati dei capolavori a sé stanti, e vederli tutti insieme è davvero straordinario.

La popolarità dell'opera di Michelangelo è dimostrata anche dal fatto che fu invitato di nuovo alcuni anni dopo per completare il dipinto Il Giudizio Universale che si trovava sulla parete dell'altare, vicino al suo lavoro precedente.

Michelangelo era un artista dotato di grande sicurezza e capacità tecnica, necessarie per far fronte a una richiesta così impegnativa, che era venuta da papa Giulio II.

Le complesse combinazioni di figure sul soffitto hanno aiutato molti artisti in erba a comprendere le vere abilità dell'artista nel catturare il corpo umano in modi diversi. La sua comprensione dell'anatomia era impressionante e necessaria per produrre ritratti così realistici e credibili.

Tutto il lavoro di Michelangelo sul soffitto ha ormai più di 500 anni e quindi è stato molto necessario proteggere continuamente gli affreschi e gli stucchi da tutti gli elementi naturali e dai turisti entusiasti che da secoli affollano la Cappella.

Ci sono stati anche lavori di restauro nelle ultime generazioni per rimuovere gli effetti di oscuramento da elementi naturali che non possono mai essere completamente protetti. La natura di questa grande opera d'arte significa anche che è più difficile da curare rispetto a un dipinto o una scultura standard di dimensioni normali.

L'arte all'interno della Cappella Sistina, che comprende anche opere di molti altri importanti artisti italiani, sottolinea la ricchezza e lo status del Papa e della stessa cristianità in quel momento. Molto semplicemente, poteva attrarre e permettersi commissioni con i migliori artisti di quel tempo e Michelangelo era chiaramente in cima a quella lista.


Dove tutto è cominciato

La Cappella Sistina fa parte di un complesso edilizio a Roma all'interno della Città del Vaticano, luogo che molti definiscono il centro della cristianità nel mondo, che risale addirittura all'epoca romana. La costruzione dell'edificio fu terminata nel 1481 d.C., ma solo vent'anni dopo, nel 1504 d.C., apparve un'enorme crepa nel soffitto.

L'edificio era già stato costruito in modo davvero magnifico e imponente e conteneva una tonnellata di aggiunte e intagli artistici. Tuttavia, riparare la crepa che è apparsa è stata un'opportunità per fare un ulteriore passo avanti.

Quanto tempo ha impiegato Michelangelo per dipingere la Cappella Sistina?

Le pareti della Cappella Sistina erano già ricoperte da bellissime opere d'arte cristiana, raffiguranti personaggi come Gesù e Mosè, che erano state aggiunte all'edificio da artisti leggendari come Pietro Perugino e Sandro Botticelli. Il papa voleva qualcosa di diverso.

A quel tempo, Michelangelo stava già facendo cantare le sue lodi in tutto il paese d'Italia, e in effetti in gran parte dell'Europa. Il suo famoso pezzo, l'imponente statua del David, era già stato esposto e reso pubblico nella sua città natale, Firenze, e tutti amavano quello che faceva.

Il Papa all'epoca, Papa Giulio II, era fermamente convinto che Michelangelo fosse l'uomo giusto per il lavoro. Siamo sicuri che sarai d'accordo sul fatto che ciò che ha ottenuto è come nient'altro sul pianeta.


Michelangelo odiava dipingere la Cappella Sistina

Avere talento ha un prezzo. Michelangelo ha imparato ciò che non gli piaceva fare nel modo più duro, il tutto mentre creava una delle strutture dipinte più importanti della storia umana.

Così, nel passato, papa Giulio II ordinò a Michelangelo di dipingere il soffitto della Cappella Sistina.

Michelangelo, essendo l'artista di fama mondiale quale era, obbligato a malincuore, poiché questi erano ordini, non suggerimenti. Oltre a ciò, questo concerto non ha offerto alcun pagamento, nessuna segnaletica e nessuna ulteriore opportunità di cercare lavoro retribuito attraverso la chiesa cattolica.

Se stai pensando che questo fosse un affare grezzo, e Michelangelo è stato sfruttato per i suoi talenti, allora hai ragione sui soldi.

Michelangelo, infatti, non volle assolutamente dipingere il soffitto della Cappella Sistina. Michelangelo odiava la pittura, nonostante fosse l'artista incredibilmente leggendario che era.

Durante il lungo periodo di tempo che Michelangelo impiegò a dipingere la cappella, scrisse numerosi passaggi e poesie relativi alla sua opera.

In effetti, una di queste poesie parlava chiaramente di quanto l'artista disprezzasse il compito da svolgere.


Contenuti

Il dipinto originale del soffitto era di Pier Matteo d'Amelia e aveva raffigurato stelle su sfondo blu [5] come il soffitto della Cappella dell'Arena decorato da Giotto a Padova. [6] Per sei mesi nel 1504, una crepa diagonale nella volta della Cappella Sistina aveva reso la cappella inagibile e papa Giulio II (Giuliano della Rovere) fece rimuovere il dipinto danneggiato. [5]

Papa Giulio II era un "papa guerriero" [7] che nel suo pontificato intraprese una campagna aggressiva per il controllo politico per unire e rafforzare l'Italia sotto la guida della Chiesa. Ha investito nel simbolismo per mostrare il suo potere temporale, come la sua processione (alla maniera classica), in cui ha guidato un carro attraverso un arco trionfale dopo una delle sue numerose vittorie militari. Fu Giulio che iniziò la ricostruzione della Basilica di San Pietro nel 1506, come il simbolo più potente della fonte del potere papale. [8]

Michelangelo ha lasciato il Battaglia di Cascina incompiuto quando papa Giulio II lo chiamò a Roma nella primavera del 1505 e lo incaricò di realizzare la sua tomba nella Basilica di San Pietro. [11] [12] [13] Michelangelo e papa Giulio avevano entrambi un temperamento caldo e presto litigarono. [12] [13] Come scrisse Walter Pater, "Michelangelo aveva ormai trent'anni e la sua fama era consolidata. Tre grandi opere riempiono il resto della sua vita: tre opere spesso interrotte, portate avanti attraverso mille esitazioni, mille delusioni , litiga con i suoi committenti, litiga con la sua famiglia, litiga forse soprattutto con se stesso: la Cappella Sistina, il Mausoleo di Giulio II e la Sagrestia di San Lorenzo". [14] Il 17 aprile 1506 Michelangelo lasciò segretamente Roma per Firenze, rimanendovi fino a quando il governo fiorentino lo spinse a tornare dal papa. [13] Nel novembre 1506 si recò invece a Bologna e costruì una colossale statua in bronzo del Papa che conquista i bolognesi. [13] (I bolognesi distrussero il bronzo nel 1511.) [13] Il progetto della tomba papale fu tranquillamente accantonato, [9] per essere rinvigorito dalla famiglia Della Rovere dopo la sua morte. [12] [13]

Nel 1506 Giulio II iniziò la ricostruzione della Basilica di San Pietro, che attirò la sua attenzione e nel febbraio 1513, quando morì, erano stati fatti pochi lavori sulla sua tomba. [15] [11] [12] Era stata una grande commissione, con 40 grandi figure da scolpire. [12] Il suo progetto originale non fu mai iniziato. [13] Alla fine Michelangelo terminò solo tre figure per il monumento completato del 1545, ridotto successivamente a una serie di disegni più modesti, e costruito infine nella Chiesa di San Pietro a Vincoli, inclusa la statua del 1515 circa di Mosé. [15] [12] [11] Due schiavi, il schiavo barbuto e il giovane schiavo, c.1513, sono al Louvre. [15] [11] [12] La commissione della tomba durò decenni e Michelangelo si lamentò: "Ho sprecato tutta la mia giovinezza incatenato a questa tomba". [15] [11] Ascanio Condivi descrisse la vicenda come la "Tragedia del Sepolcro". [13]

Nel 1506 papa Giulio concepì un programma per dipingere il soffitto della Cappella Sistina. [16] [ pagina necessaria ] Le pareti della cappella erano state decorate 20 anni prima. Il più basso dei tre livelli è dipinto per assomigliare a tendaggi drappeggiati ed è stato (e talvolta è ancora) appeso in occasioni speciali con una serie di arazzi disegnati da Raffaello. Il livello centrale contiene un complesso schema di affreschi che illustrano il Vita di Cristo sul lato destro e il Vita di Mosè sul lato sinistro. Fu eseguito da alcuni dei più celebri pittori rinascimentali: Botticelli, Ghirlandaio, Perugino, Pinturicchio, Signorelli e Cosimo Rosselli. [17] Il livello superiore delle pareti contiene le finestre, tra le quali sono dipinte coppie di nicchie illusionistiche con rappresentazioni dei primi 32 pontefici. [18] È probabile che, poiché la cappella era sede di regolari riunioni e messe di un corpo d'elite di funzionari noto come Cappella Papale (che ne osservava le decorazioni e ne interpretava il significato teologico e temporale), fosse papa Giulio intenzione e aspettativa che l'iconografia del soffitto fosse da leggere con molti strati di significato. [19]

Lo schema proposto dal papa prevedeva che dodici grandi figure di Apostoli occupassero i pennacchi. [20] [21] Tuttavia, Michelangelo negoziò per uno schema più grandioso e molto più complesso e alla fine fu autorizzato, secondo le sue stesse parole, "a fare ciò che mi piaceva". [22] [a] Si è ipotizzato che il frate e cardinale agostiniano, Egidio da Viterbo, fosse consulente per l'aspetto teologico dell'opera. [23] [ pagina necessaria ] Molti scrittori ritengono che Michelangelo avesse l'intelletto, la conoscenza biblica e le capacità di invenzione per aver ideato lui stesso lo schema. Ciò è supportato dall'affermazione di Ascanio Condivi secondo cui Michelangelo leggeva e rileggeva l'Antico Testamento mentre dipingeva il soffitto, traendo ispirazione dalle parole della Scrittura, piuttosto che dalle tradizioni consolidate dell'arte sacra. [24]

Nella primavera del 1508 Michelangelo tornò a Roma per lavorare a un ciclo di affreschi sulla volta e sulle pareti superiori della Cappella Sistina. [12] [13] Michelangelo, che non era principalmente un pittore ma uno scultore, era riluttante ad accettare il lavoro che suggerì al suo giovane rivale Raffaello di assumerlo. [25] [26] Il papa fu irremovibile, non lasciando a Michelangelo altra scelta che accettare. [27] [ pagina necessaria ] Il contratto fu firmato l'8 maggio 1508, con un compenso promesso di 3.000 ducati. [28] Michelangelo inizialmente cercò di ingaggiare assistenti per accelerare il lavoro gravoso e sgradito il più rapidamente possibile, ma non riuscì a trovare candidati adatti e dipinse quasi l'intero soffitto da solo. [13] Tra gli artisti fiorentini che Michelangelo portò a Roma nella speranza di aiutare nell'affresco, Giorgio Vasari nominò Francesco Granacci, Giuliano Bugiardini, Jacopo di Sandro, l'Indaco il Vecchio, Agnolo di Domenico e Aristotile. [29]

Michelangelo iniziò a lavorare nella primavera del 1508, iniziando all'estremità occidentale con il L'ubriachezza di Noè e il Profeta Zaccaria e lavorando a ritroso attraverso la narrazione fino al Creazione di Eva, nella quinta campata della volta e terminata nel settembre 1510. [13] La prima metà del soffitto fu inaugurata ufficialmente il 15 agosto 1511 una lunga pausa nella pittura si verificò con la preparazione di nuove impalcature. [13] Subsequently the second half of the ceiling's frescoes were done swiftly, and after a preliminary showing and papal Mass on 14 August 1511, [16] [27] the finished work was revealed on 31 October 1512, All Hallows' Eve, [13] [12] being shown to the public by the next day, All Saints' Day. Michelangelo's final scheme for the ceiling included some three hundred figures. [ citazione necessaria ]

After the revelation of the finished Sistine Chapel ceiling at the age of 37, Michelangelo's reputation rose such that was called Michelangelo il divino. [12] [13] From then on, Michelangelo was recognized as the greatest artist of his time, who had elevated the status of the arts themselves, a recognition that lasted the rest of his long life, and his Sistine ceiling has always thereafter counted among the "supreme masterpieces of pictorial art". [11] [13] [15]

Michelangelo's frescoes form the back-story to the 15th century narrative cycles of the lives of Moses and Christ by Perugio and Botticelli on the Chapel's walls. [11] [15] While the main central scenes depict incidents in the Libro della Genesi, much debate exists on the multitudes of figures' exact interpretation. [15] [11] The Sistine Chapel's ceiling is a shallow barrel vault around 35 m (118 ft) long and around 14 m (46 ft) broad. [13] The Chapel's windows cut into the vault's curve, producing a row of lunettes alternating with spandrels. [13]

Though Michelangelo claimed he eventually had a free hand in the artistic scheme, this claim was also made by Lorenzo Ghiberti about his monumental bronze doors for the Baptistery of Florence, for which it is known Ghiberti was constrained by stipulations on how the Old Testament scenes should appear and was able to decide merely the forms and number of the picture fields. It is likely that Michelangelo was free to choose forms and presentation of the design, but that the subjects and themes themselves were decided by the patron. [20]

The central, almost flat field of the ceiling is delineated by a fictive architectural cornice and divided into four large rectangles and five smaller ones by five pairs of painted ribs which cut laterally across the central rectangular field. These rectangles, which appear open to the sky, Michelangelo painted with scenes from the Old Testament. [13]

The narrative begins at the Chapel's east end, with the first scene above the altar, focus of the Eucharistic ceremonies performed by the clergy. The small rectangular field directly above the altar depicts the Primal Act of Creation. The last of the nine central fields, at the west end, shows the Drunkenness of Noah below this scene is the door used by the laity. [13] Furthest from the altar, the Drunkenness of Noah represents the sinful nature of man. [13]

Above the cornice, at the four corners of each of the five smaller central fields, are nude male youths, called ignudi, whose precise significance is unknown. [13] [15] [11] Close to the sacred scenes in the uppermost register and unlike the figures of the lower register shown in perspective, they are not foreshortened. [13] They probably represent the Florentine Neoplatonists' view of humanity's ideal Platonic form, without the mar of Original Sin, to which the lower figures are all subject. [13] Kenneth Clark wrote that "their physical beauty is an image of divine perfection their alert and vigorous movements an expression of divine energy". [31]

Below the painted cornice around the central rectangular area is a lower register depicting a continuation of the Chapel's walls as a trompe-l'œil architectural framework against which figures press, with powerful modelling. [13] The figures are drastically foreshortened and are at larger scale than the figures in the central scenes, "creating a sense of spatial disequilibrium". [13]

The ceiling at the Chapel's four corners forms a doubled spandrel painted with salvific scenes from the Old Testament: The Brazen Serpent, The Crucifixion of Haman, Giuditta e Oloferne, e David and Goliath. [13]

Each of the Chapel's window arches cuts into the curved vault, creating above each a triangular area of vaulting. The arch of each window is separated from the next by these triangular spandrels, in each of which are enthroned Prophets alternating with the Sibyls. [13] [15] [11] These figures, seven Old Testament prophets and five of the Graeco-Roman sibyls, were notable in Christian tradition for their prophesies of the Messiah or the Nativity of Jesus. [13] The lunettes above the windows are themselves painted with scenes of the "purely human" Ancestors of Christ, as are the spaces either side of each window. Their position is both the lowest in the vault and the darkest, in contrast with the airy upper vault. [13]

Interpretazione Modifica

The overt subject matter of the ceiling is the Christian doctrine of humanity's need for Salvation as offered by God through Jesus. It is a visual metaphor of humankind's need for a covenant with God. The Old Covenant of the Children of Israel through Moses and the New Covenant through Christ had already been represented around the walls of the chapel. [3] Some experts, including Benjamin Blech and Vatican art historian Enrico Bruschini, have also noted less overt subject matter, which they describe as being "concealed" and "forbidden." [32] [ pagina necessaria ] [33] [ pagina necessaria ]

On the crescent-shaped areas, or lunettes, above each of the chapel's windows are tablets listing the ancestors of Christ and accompanying figures. Above them, in the triangular spandrels, a further eight groups of figures are shown, but these have not been identified with specific biblical characters. The scheme is completed by four large corner pendentives, each illustrating a dramatic Biblical story. [34]

The narrative elements of the ceiling illustrate that God made the World as a perfect creation and put humanity into it, that humanity fell into disgrace and was punished by death and separation from God. Humanity then sank further into sin and disgrace, and was punished by the Great Flood. Through a lineage of ancestors – from Abraham to Joseph – God sent the saviour of humanity, Jesus Christ. The coming of the Saviour was prophesied by Prophets of Israel and Sibyls of the Classical world. The various components of the ceiling are linked to this Christian doctrine. [34] Traditionally, the Old Testament was perceived as a prefiguring of the New Testament. Many incidents and characters of the Old Testament were commonly understood as having a direct symbolic link to some particular aspect of the life of Jesus or to an important element of Christian doctrine or to a sacrament such as Baptism or the Eucharist. Jonah, for example, recognisable by his attribute of a great fish, was commonly seen to symbolize Jesus' death and resurrection. [4] [ pagina necessaria ]

Much of the symbolism of the ceiling dates from the early church, but the ceiling also has elements that express the specifically Renaissance thinking that sought to reconcile Christian theology with the philosophy of Renaissance humanism. [35] During the 15th century in Italy, and in Florence in particular, there was a strong interest in Classical literature and the philosophies of Plato, Aristotle and other Classical writers. Michelangelo, as a young man, had spent time at the Platonic Academy established by the Medici family in Florence. He was familiar with early Humanist-inspired sculptural works such as Donatello's bronze David and had himself responded by carving the enormous nude marble David, which was placed in the Piazza della Signoria near the Palazzo Vecchio, the home of Florence's council. [36] The Humanist vision of humanity was one in which people responded to other people, to social responsibility, and to God in a direct way, not through intermediaries, such as the Church. [37] This conflicted with the Church's emphasis. While the Church emphasized humanity as essentially sinful and flawed, Humanism emphasized humanity as potentially noble and beautiful. [ citazione necessaria ] [b] These two views were not necessarily irreconcilable to the Church, but only through a recognition that the unique way to achieve this "elevation of spirit, mind and body" was through the Church as the agent of God. To be outside the Church was to be beyond Salvation. In the ceiling of the Sistine Chapel, Michelangelo presented both Catholic and Humanist elements in a way that does not appear visually conflicting. The inclusion of "non-biblical" figures such as the Sibyls or Ignudi is consistent with the rationalising of Humanist and Christian thought of the Renaissance. This rationalisation was to become a target of the Counter Reformation. [ citazione necessaria ]

The iconography of the ceiling has had various interpretations in the past, some elements of which have been contradicted by modern scholarship. [c] Others, such as the identity of the figures in the lunettes and spandrels, continue to defy interpretation. [38] Modern scholars have sought, as yet unsuccessfully, to determine a written source of the theological program of the ceiling and have questioned whether or not it was entirely devised by the artist himself, who was both an avid reader of the Bible and a genius. [39] Also of interest to some modern scholars is the question of how Michelangelo's own spiritual and psychological state is reflected in the iconography and the expression of the ceiling. One such speculation is that Michelangelo was tormented by conflict between his homosexuality and "his profound, almost mystical Catholicism." [ citazione necessaria ] [d]

Michelangelo probably began working on the plans and cartoons for the design from April 1508. [40] The preparatory work on the ceiling was complete in late July the same year and on 4 February 1510 Francesco Albertini recorded Michelangelo had "decorated the upper, arched part with very beautiful pictures and gold". [40] The main design was largely finished in August 1510, as Michelangelo's texts suggest. [40] From September 1510 until February, June, or September 1511 Michelangelo did no work on the ceiling on account of a dispute over payments for work done in August 1510 the Pope left Rome for the Papal States' campaign to reconquer Bologna and despite two visits there by Michelangelo resolution only came months after the Pope's return to Rome in June 1511. On 14 August 1511, Pope Julius held a papal mass in the Chapel and saw the progress of the work so far for the first time. [40] This was the vigil for Assumption Day on 15 August, the patronal feast on the Sistine Chapel. [40] The whole design was revealed to visitors on 31 October 1512 with a formal papal mass the following day, the feast of All Saints. [41] Clerical use of the Chapel continued throughout, exempting when the work on the scaffolding necessitated its closure, and disruption to the rites was minimized by beginning the work at the west end, furthest from the liturgical centre around the altar at the east wall. [40] Debate exists on what sequence the parts of the ceiling were painted in and over how the scaffold that allowed the artists to reach the ceiling was arranged. There are two main proposals.

The majority theory is that the ceiling's main frescoes were applied and painted in phases, with the scaffolding each time dismantled and moved to another part of the room, beginning at the Chapel's west end. [41] The first phase, including the central life of Noah, was completed in September 1509 and the scaffolding removed – only then were the scenes visible from the floor level. [41] The next phase, in the middle of the Chapel, completed the Creation of Eve e il Fall and Expulsion from Paradise. Il Cumaean Sibyl e Ezekiel were also painted in this phase. [41] Michelangelo painted the figures at a larger scale than in the previous section this is attributed to the artist's ability to effectively judge the foreshortening and composition from ground level for the first time. [41] The figures of the third phase, at the east end, were at still grander scale than the second the Creation of Adam e l'altro Creation panels were finished at this stage, which took take place in 1511. [41] The lunettes above the windows were painted last, using a small movable scaffold. [41] In this scheme, proposed by Johannes Wilde, the vault's first and second registers, above and below the fictive architectural cornice, were painted together in stages as the scaffolding moved eastwards, with a stylistic and chronological break westwards and eastwards of the Creation of Eve. [40] After the central vault the main scaffold was replaced by a smaller contraction that allowed the painting of the lunettes, window vaults, and pendentives. [41] This view supplanted an older view that the central vault formed the first part of the work and was completed before work began on the other parts of Michelangelo's plan. [40]

Another theory is that the scaffolding must have spanned the entire Chapel for years at a time. [40] To remove the existing decoration of the ceiling, the entire area had to be accessible for workmen to chisel away the starry sky fresco before any new work was done. [40] On 10 June 1508 the cardinals complained of the intolerable dust and noise generated by the work by 27 July 1508 the process was complete and the corner spandrels of the Chapel had been converted into the doubled-spandrel triangular pendentives of the finished design. [40] Then the frame of the new designs had to be marked out on the surface when frescoeing began this too demanded access to the whole ceiling. [40] This thesis is supported by the discovery during the modern restoration of the exact numbers of the giornate employed in the frescoes if the ceiling was painted in two stages, the first spanning two years and extending to the Creation of Eve and the second lasting just one year, then Michelangelo would have to have painted 270 giornate in the one-year second phase, compared with 300 painted in the first two years, which is scarcely possible. [40] By contrast, if the ceiling's first register – with the nine scenes on rectangular fields, the medallions, and the ignudi – was painted in the first two years, and in the second phase Michelangelo painted only their border in the second register, with the Prophets e Sibyls, poi il giornate finished in each year are divided almost equally. [40] Ulrich Pfisterer, advancing this theory, interprets Albertini's remark on "the upper, arched part with very beautiful pictures and gold" in February 1510 as referring only to upper part of the vault – the first register with its nine picture fields, its ignudi, and its medallions embellished with gold – and not to the vault as a whole, since the fictive architectural attic with its prophets and prophetesses were yet to be started. [40]

The scaffolding needed to protect the Chapel's existing wall frescoes and other decorations from falling debris and allow the religious services to continue below, but also to allow in air and some light from the windows below. [40] The Chapel's cornice, running around the room below the lunettes at the springing of the window arches themselves, supported the structure's oblique beams, while the carrying beams were set into the wall above the cornice using putlog holes. [40] This open structure supported catwalks and the movable working platform itself, whose likely stepped design followed the contour of the vault. Beneath was a false-ceiling that protected the Chapel. [40] Though some sun light would have entered the work space between the ceiling and the scaffolding, artificial light would have been required for painting, candlelight possibly influencing the appearance of the vivid colours used. [40]

Michelangelo designed his own scaffold, a flat wooden platform on brackets built out from holes in the wall near the top of the windows, rather than being built up from the floor. Mancinelli speculates that this was in order to cut the cost of timber. [42] According to Michelangelo's pupil and biographer Ascanio Condivi, the brackets and frame that supported the steps and flooring were all put in place at the beginning of the work and a lightweight screen, possibly cloth, was suspended beneath them to catch plaster drips, dust, and splashes of paint. [43] [ pagina necessaria ] Only half the room was scaffolded at a time and the platform was moved as the painting was done in stages. [42] The areas of the wall covered by the scaffolding still appear as unpainted areas across the bottom of the lunettes. The holes were re-used to hold scaffolding in the latest restoration. [ citazione necessaria ]

The entire ceiling is a fresco, which is an ancient method for painting murals that relies upon a chemical reaction between damp lime plaster and water-based pigments to permanently fuse the work into the wall. [44] Michelangelo had been an apprentice in the workshop of Domenico Ghirlandaio, one of the most competent and prolific of Florentine fresco painters, at the time that the latter was employed on a fresco cycle at Santa Maria Novella and whose work was represented on the walls of the Sistine Chapel. [45] [ pagina necessaria ] At the outset, the plaster, intonaco, began to grow mould because it was too wet. Michelangelo had to remove it and start again. He then tried a new formula created by one of his assistants, Jacopo l'Indaco, which resisted mould and entered the Italian building and fresco tradition. [43] [ pagina necessaria ]

Because he was painting affresco, the plaster was laid in a new section every day, called a giornata. At the beginning of each session, the edges would be scraped away and a new area laid down. [42] The edges between giornate remain slightly visible thus, they give a good idea of how the work progressed. It was customary for fresco painters to use a full-sized detailed drawing, a cartoon, to transfer a design onto a plaster surface—many frescoes show little holes made with a stiletto, outlining the figures. Here Michelangelo broke with convention once confident the intonaco had been well applied, he drew directly onto the ceiling. His energetic sweeping outlines can be seen scraped into some of the surfaces [ citazione necessaria ] , [e] while on others a grid is evident, indicating that he enlarged directly onto the ceiling from a small drawing. [ citazione necessaria ]

Michelangelo painted onto the damp plaster using a wash technique to apply broad areas of colour, then as the surface became drier, he revisited these areas with a more linear approach, adding shade and detail with a variety of brushes. For some textured surfaces, such as facial hair and wood-grain, he used a broad brush with bristles as sparse as a comb. He employed all the finest workshop methods and best innovations, combining them with a diversity of brushwork and breadth of skill far exceeding that of the meticulous Ghirlandaio [ citazione necessaria ] . [F]

The work commenced at the end of the building furthest from the altar, with the latest of the narrative scenes, and progressed towards the altar with the scenes of the Creation. [23] [ pagina necessaria ] The first three scenes, from The Drunkenness of Noah, contain smaller figures than the later panels. This is partly because of the subject matter, which deals with the fate of Humanity, but also because Michelangelo underestimated the ceiling's scale. [34] [46] Also painted in the early stages was the Slaying of Goliath. [47] After painting the Creation of Eve adjacent to the marble screen which divided the chapel, [g] Michelangelo paused in his work to move the scaffolding to the other side. After having seen his completed work so far, he returned to work with the Temptation and Fall, followed by the Creation of Adam. [48] [46] As the scale of the work got larger, Michelangelo's style became broader the final narrative scene of God in the act of creation was painted in a single day. [49]

The bright colours and broad, cleanly defined outlines make each subject easily visible from the floor. Despite the height of the ceiling, the proportions of the Creation of Adam are such that when standing beneath it, "it appears as if the viewer could simply raise a finger and meet those of God and Adam". [ citazione necessaria ] Vasari tells us that the ceiling is "unfinished", that its unveiling occurred before it could be reworked with gold leaf and vivid blue lapis lazuli as was customary with frescoes and in order to better link the ceiling with the walls below, which were highlighted with a great deal of gold. But this never took place, in part because Michelangelo was reluctant to set up the scaffolding again, and probably also because the gold and particularly the intense blue would have distracted from his painterly conception. [27] [ pagina necessaria ] Michelangelo's patron and the ceiling's commissioner, Pope Julius II, died only months after the ceiling's completion, in February 1513. [41]

According to Vasari and Condivi, Michelangelo painted in a standing position, not lying on his back, as another biographer Paolo Giovio imagined. [50] Vasari wrote: "The work was carried out in extremely uncomfortable conditions, from his having to work with his head tilted upwards". [27] Michelangelo may have described his physical discomfort in a poem, accompanied by a sketch in the margin, which was probably addressed to the humanist academician Giovanni di Benedetto da Pistoia, a friend with whom Michelangelo corresponded. [50] Leonard Barkan compared the posture of Michelangelo's marginalia self-portrait to the Roman sculptures of Marsyas Bound in the Uffizi Gallery Barkan further connects the flayed Marsyas with Michelangelo's purported self-portrait decades later on the flayed skin of St Bartholomew in his Last Judgement but cautions that there is no certainty the sketch represents the process of painting the Chapel ceiling. [51] Michelangelo wrote his poem "I' ho già fatto un gozzo" describing the arduous conditions under which he worked the manuscript is illustrated with a sketch – likely of the poet painting the ceiling:


Sfondo

By the early 16th century, Michelangelo was an esteemed artist known throughout Italy. He was particularly praised for his ability to render&mdashboth in painting and sculpture&mdashfigures with lifelike anatomical features, as evident in his famous David statue from 1504. Given the artist's reputation, it is no surprise that Pope Julius commissioned him to decorate the ceiling of Sistine Chapel, whose walls were already adorned with frescoes by Botticelli, Ghirlandaio, Perugino, and other famed artists.

While the pope's plans for the ceiling revolved around a depiction of the 12 apostles, Michelangelo had bigger plans: he would paint several scenes from scripture featuring over 300 figures.


Answer:They give expression to the theme that love helps human beings in their difficult effort to ascend to the divine. In 1534 Michelangelo returned after a quarter century to fresco painting, executing for the new pope, Paul III, the huge Last Judgment for the end wall of the Sistine Chapel.

The model, Lisa del Giocondo, was a member of the Gherardini family of Florence and Tuscany, and the wife of wealthy Florentine silk merchant Francesco del Giocondo. The painting is thought to have been commissioned for their new home, and to celebrate the birth of their second son, Andrea.


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